Pourquoi fait-on de la danse country?

Pourquoi fait-on de la Danse Country ?

Philippe Boudier, NTA Country Director, France South West

Il y a quatre grandes familles de danseurs Country.

Les premiers sont les adeptes de la ''Gym-Tonic''

Ils assistent aux cours en général de manière plutôt assidue et font très studieusement ce que le prof leur montre, puis apprennent et suivent tant bien que mal la danse du jour, mais, d’une semaine à l’autre ne se souviennent plus de rien et recommencent à zéro la semaine d’après… et ainsi de suite.

Pour eux, l’activité Country s’arrête là. Ils ne sont en général friands, ni de technique, ni d’histoire de la musique (country ou autre d’ailleurs), ni d’histoire de la danse. Peu leur importe les différences de style ou de rythme… Ils viennent là, juste pour faire une activité corporelle, comme ils iraient suivre un cours de gymnastique ou de fitness. Ils viennent juste chercher leur ''dose'' d’activité physique de la semaine.

Les deuxièmes sont les habitués des pistes de danses et des bals le week-end

Ceux-laàveulent en général apprendre et retenir un maximum de chorégraphies pour pouvoir danser le plus possible lors des soirées qu’ils ne manqueraient pour rien au monde. Ils ne cherchent pas particulièrement la précision dans les pas, ni dans la posture, ni dans leur cadre, parce que, (disent-ils), ils veulent juste s’amuser et ne veulent pas se prendre la tête. Ils se moquent également souvent  du style de la danse qu’ils exécutent.

A ceux là, il faut arriver à expliquer que si le style adapté à la danse qu’ils exécutent ne fera que les rendre plus ''beaux'' à regarder, et à être en symbiose avec le musique. Tout le reste, (le cadre, la posture, les notions techniques concernant les divers ''turns'', les positions adéquates des pieds…), rendra leur danse plus fluide, et surtout plus agréable à danser. Or toutes ces notions sont abordées dans le programme d’accréditation NTA. Ce programme a vraiment pour fonction principale d’aider les danseurs à acquérir les bonnes méthodes pour danser en se faisant plaisir et sans se faire mal. Il fournit également aux profs les outils pour enseigner ces méthodes.

On trouve aussi une troisième famille de danseurs : Les ((Accros à la Démo''

Ceux-ci  adorent se montrer en public et être sous le feu des projecteurs. Certains dansent depuis longtemps, d’autres depuis peu, mais veulent tout de même faire le spectacle. Notre devoir de prof est de leur permettre de réaliser leur rêve, mais il faut des garde-fous pour éviter de les envoyer à l’échec ou encore, de leur faire faire du ''mauvais spectacle'' ; et c’est ici, la seule et entière responsabilité du prof qui est engagée !

Pour éviter les ''mauvais spectacles'', il y a quelques règles simples à respecter :

1-La principale est de ne danser que des chorégraphies adaptées à son niveau.

A un débutant, on ne fera danser que de courtes chorégraphies (32 comptes maximum), sans tag ni restart, avec des pas simples et accessibles à son niveau, en évitant au maximum les pas syncopés ainsi que les tours complexes. Par contre, apprenez-leur et entrainez-les a rester ''en ligne'', et  en ce qui concerne les styles, choisissez, d’une part, des styles plutôt faciles tels que le Two-Step, la Polka lente ou éventuellement encore, du West Coast Swing, et d’autre part, évitez à tout prix les valses, les East-Coast-Swings, (surtout s’ils sont rapides), les Night-Clubs… etc.

Pour les danseurs un peu plus expérimentés, vous pourrez introduire des pas ou des figures un peu plus complexes, ou syncopées, ainsi que des tours un peu plus techniques, (mais on évitera encore tout ce qui est succession de ''Travelling-Pivots'' ou ''Chainé'', ''Monterey Full Turn'', ''Spins''… etc.

Les pas, styles et chorés les plus complexes restant réservés aux plus expérimentés de vos danseurs.

2-La deuxième règle consiste à choisir de bonnes musiques

Il arrive souvent que la ou les musiques indiquées sur les fiches de pas ne conviennent pas vraiment pour un spectacle. Alors choisissez dans ce cas une autre musique qui plaira au public, mais attention ! Il faut en revanche qu’elle corresponde bien à la chorégraphie que vous voulez présenter… (Phrasé, nombre de comptes, style… etc.). Le DF5 du programme d’accréditation NTA vous aiderait indéniablement pour choisir vos musiques en adéquation avec les chorés présentées.

3-La troisième règle consiste à présenter des danses sur des musiques courtes.

Si vous faites danser une chorégraphie de 16 comptes sur une musique qui dure 5 à 6 minutes, çela risque d’être aussi ennuyeux pour les danseurs que pour le public. Cependant, il vous est en revanche possible d’arranger ou de raccourcir le morceau de musique correspondant avec des petits logiciels libres tels que ''Audacity''. L’idéal étant d’obtenir des musiques qui s’achèvent avant le 6^ème ou 7^ème mur.

4. La quatrième règle : ''le plaisir avant tout !''

Apprenez le plus tôt possible à vos élèves à se faire plaisir en dansant en toutes circonstances. Cela leur permettra de rayonner, et de diffuser ce plaisir à leur public. C’est un peu pour cela, d’ailleurs, qu’il vaut mieux toujours choisir des chorégraphies plutôt légèrement en dessous du niveau des danseurs qui les exécutent ; cela leur permet alors de se libérer de la chorégraphie, donc de se détendre et de se consacrer à ce qu’ils doivent transmettre au public, à savoir : ''plaisir, bonheur, grâce et fierté''.

5-La dernière catégorie de danseurs à laquelle je pense est celle des compétiteurs

Avec les candidats à la compétition, il n’y a pas à se poser de question … TOUT doit être PARFAIT. Essentiellement le « centering », l’allure, l’équilibre et la précision dans les positions de pieds. Les compétiteurs doivent apprendre à danser en toute fluidité et doivent également respecter parfaitement les spécificités inhérentes à chaque style. Quoiqu’il en soit, pour un compétiteur, la qualité du coaching est vite vue !... La compétition sera là pour la juger en toute objectivité.

Ainsi donc, gardez toujours à l’esprit que dans un cours de danse, vous aurez toujours un certain nombre de types de danseurs parmi ceux évoqués ; c’est à vous de les détecter et d’adapter vos cours aux différents publics possibles.

Voici un exemple possible d’organisation :

1 . Un cours pour les fans de ''gym tonic'' que vous pourrez facilement jumeler à un cours débutant. (Appelons-le : niveau 1). En première partie de ce cours, vous y dispenserez un enseignement classique pour débutants, et au cours de la deuxième partie, laissez vos élèves danser et re-danser en boucle des chorégraphies faciles qu’ils ont déjà apprises. Cela aidera vos débutants à bien les intégrer, et cela fournit à vos accros à la gym tonic la dose d’activité physique qu’ils sont venus chercher.

2 . Un cours''Spécial Bal'' pour les élèves de la deuxième catégorie. Celui-ci pourra facilement être jumelé avec le cours que nous nommerons : ''niveau 2'' (à savoir les élèves qui ont déjà acquis toutes les bases enseignées normalement au niveau 1). La première partie du cours sera consacrée à l’affinement de tous les concepts techniques tels que posture, cadre, équilibre, afin que vos élèves soient capables d’exécuter correctement les ''Turns'' un peu complexes. Vous pouvez également y aborder les bases et rudiments des styles les plus courants : (Two Step, Polka, WCS, ECS, Chacha, valse, Night-club… etc.). Quant à la deuxième partie, vous la consacreriez à leur apprendre au kilomètre un maximum de chorégraphies parmi les plus populaires et les plus dansées dans les bals alentours. Cela satisfera les accros aux bals, quant aux autres, cela devrait aiguiser leur capacité à apprendre et mémoriser des chorégraphies.

3 . Le troisième cours que vous pourriez mettre en place, serait un cours ''spécifique Spectacle''

Il s’adresserait aux personnes de la troisième catégorie ; certains jeunes compétiteurs pouvant également y trouver leur compte. Il conviendrait de l’éclater en trois niveaux : (Débutants, Confirmés, et Avancés.). Ainsi,  pour chaque niveau, d’un côté, les danseurs perfectionneraient certains points techniques relatifs à leur niveau, et d’un autre côté, ils y apprendraient tous les petits ''Trucs'' indispensables pour les ''démos'' ou les danses de ''Team'', à savoir : les alignements, les mouvements coordonnés de groupe, le spoting synchronisé… etc. C’est dans ce cours, que pour chaque niveau, vous préparerez, vous construirez, vous répéterez et améliorerez vos  différents spectacles à venir.

Enfin, le dernier cours pourrait être : ''l’Ecole de Compétition'' au sein de laquelle vous pourriez façonner, entraîner, coacher et  préparer vos compétiteurs et, qui sait, peut –être ''Futurs Champions''.

Et il y a, bien entendu, un cours dont je n’ai pas parlé : ''le cours de danse en couple'', partner ou Free-Style. Pensez-y ! Mais ce sujet mériterait un article complet à lui seul.